Warum Antihelden immer beliebter werden

Warum Antihelden immer beliebter werden

Erneut freue ich mich über einen Gastbeitrag des Horror-Experten John Paxing. Ich bin heilfroh, dass mir dieses Thema von einem Gastautor abgenommen wird, da ich bisher geglaubt habe, mit Anti-Helden nichts anfangen zu können. Diese aufschlussreiche Beitrag bringt mich allerdings zum Nachdenken. Vielen Dank dafür.

In klassischen Geschichten sind Helden normalerweise die Guten, und Bösewichte.. Nun ja, die Bösen. Dabei ist der Archetyp des »guten Helden« natürlich eine Illusion. Niemand ist einfach nur »gut«.

Ich meine, ich kenne richtig gute Menschen – absolut selbstlose, nette, hilfsbereite, gute Leute – aber selbst die haben irgend etwas an sich, das ich nicht gut heiße. Scheinbar funktioniert das Leben nicht ohne schlechte Eigenschaften. Und ich will auch beim Lesen, Fernsehen oder Computerspielen längst keinen Protagonisten mehr zuschauen, die einfach nur »gut« sind.

Die Entwicklungen in Fernsehen und Kino zeigen am deutlichsten, dass wir uns immer mehr Antihelden wünschen. Mit »Antihelden« meine ich Protagonisten, deren negative Eigenschaften absichtlich ausgearbeitet werden. Dr. House, Batman (der in »The Dark Knight«) und Max Payne sind solche Helden. Sie lassen Charakterzüge geradezu heraushängen, die eigentlich als unsympathisch gelten.

Dazu zählen Narzissmus (Selbstverliebtheit), Psychopathie (manipulatives, kaltblütiges Verhalten) und Machiavellismus (das eigene Ziel ohne jede Rücksicht und Moral verfolgen, über Leichen gehen). In der Evolutionspsychologie werden diese drei Persönlichkeitstypen als die »Dunkle Triade«* zusammengefasst, und sie gehören zu den unbeliebtesten Charakterzügen überhaupt.

Der bekannteste Antiheld ist vielleicht James Bond. Er bricht regelmäßig das Gesetz, er hat sogar die »Lizenz zum Töten«. Das macht ihn zu einer Ausnahme, zu einem, der über dem Rest der Gesellschaft steht. Er lebt jenseits des »Guten« und »Schlechten«, an dem die anderen sich orientieren sollen. Nur durch seine knallharte, manipulative Art schafft er jede Mission. Ganz klar ist er kein Held mit positiven Qualitäten wie Nächstenliebe, Fairness und Achtung vor anderen. Man kann ihn getrost psychopathisch nennen – wie sonst sollte er nachts ruhig schlafen können? So ähnlich ergeht es dem Punisher, Wolverine und Dexter.

Die Wissenschaft wundert sich, dass wir heute so auf Antihelden stehen, die Eigenschaften der »Dunklen Triade« verkörpern. Denn »schlechte« Menschen – also solche, die gegen bestimmte Regeln verstoßen – werden normalerweise aus der Gesellschaft ausgestoßen. Sie verhalten sich nicht kooperativ. Sie sind egoistisch und richten Schaden an, und deshalb mag sie auch keiner – aus Selbstschutz.

Um in einer Gruppe miteinander klar zu kommen, haben sich bei uns starke Sympathien und Antipathien für bestimmte Verhaltensweisen über den Lauf der Evolution verinnerlicht. Wir haben die Kategorien »Gut« und »Böse« entwickelt, an deren Vorbild sich Gesetze, Moral und Erziehung orientieren. Das Resultat: Jeder gesunde Mensch reagiert emotional ziemlich stark auf Menschen, die sich »asozial« verhalten.

Warum also wünschen wir uns Helden, die ihre schlechten Eigenschaften so offen zeigen? Warum fühlen wir uns mit Antihelden mehr verbunden als mit archetypischen, guten Helden?

Ein Teil der Antwort ist einfach: Natürlich steckt in jedem von uns eine dunkle Seite. Ich bin regelmäßig egoistisch, ich fluche verdammt viel und bin impulsiv, und sicher habe ich auch mal gegen das Gesetz verstoßen. Protagonisten, die keine Spur solcher negativen Eigenschaften besitzen, sind einfach nicht lebensecht und mit ihnen kann man sich schlechter identifizieren. Aber vor Allem werde ich mit ihnen nicht warm, weil sie keine ehrliche Verbindung zu sich zulassen:

Jemandem verbunden zu sein, eine Beziehung zu haben, bedeutet letztlich, sich verletzlich zu machen. Zu perfekte, fehlerfreie Menschen machen mich skeptisch. Irgendetwas scheinen sie zu verbergen, und ich kann sie nie richtig einschätzen. Zeigt mir jemand nicht sein wahres Gesicht, dann bleibt als Konsequenz auch die Beziehung oberflächlich.

Wenn ich aber jemandem mehr von mir preisgebe, inklusive meiner schlechten Eigenschaften und Unzulänglichkeiten, zeige ich damit Vertrauen: Ich vertraue darauf, dass der andere mich nicht verstößt, obwohl ich fehlerhaft bin. Und dass ich dieses Risiko eingehe beweist, dass ich eine echte Beziehung mit ihm möchte.

Deshalb sind Antihelden, die ihre negativen Eigenschaften zeigen, und sich damit verletzbarer, nahbarer und ehrlicher machen, sympathischer als Helden, die einfach nur gut und perfekt sind. Man kann mit ihnen potentiell echte, menschliche Beziehungen eingehen – eines der wichtigsten Dinge, auf denen unser Leben beruht.

Als Schlusswort möchte ich hierzu einen Gedanken zusammenfassen, den ich kürzlich in einer sehr interessanten Dokumentation (»Indie Game: the Movie«) gehört habe:

»Auf Hochglanz polierte, idealisierte Nachahmungen, ohne Macken und Kanten, sind unpersönlich. Wenn etwas dich berühren soll, persönlich werden soll, dann braucht es Macken, Fehler und eine gewisse Verletzlichkeit. Wenn du jemanden betrachtest und keine Verletzlichkeit in ihm entdeckst, dann ist deine Beziehung zu dieser Person wahrscheinlich nicht besonders tiefgründig.«

Als weiterführende Lektüre zum Thema »Evolution von gutem und bösem Verhalten« und »Antihelden in Geschichten« kann ich diesen Artikel empfehlen:

*»The Antihero in Popular Culture: Life History Theory and the Dark Triad Personality Traits« von Peter K. Jonason et al., University of Western Sydney, Australien. Review of General Psychology © 2012 American Psychological Association (2012), 16:2, 192–199. DOI: 10.1037/a0027914

 

Es sind die Figuren, Dummkopf!

Es sind die Figuren, Dummkopf!

Bill Clinton gewann 1992 die Wahlen zum US-Präsidenten mit dem Slogan »It’s the economy, stupid!« (»Es ist die Wirtschaft, Dummkopf!«). Etwas allgemeiner ausgedrückt war er also mit einem Motto erfolgreich, das darauf abzielte, sich auf das Wesentliche zu konzentrieren, das den Menschen wichtig ist und sie wirklich bewegt.

In diesem Sinne gilt für Romanautorinnen: »Es sind die Figuren, Dummkopf!«

Einen Roman zu schreiben ist mindestens genauso kompliziert, wie das Führen eines Staates. Wie auch die Politik besteht ein Roman aus vielen, kleinen Bausteinen, die alle zusammenpassen müssen: Sprache, Plot, Atmosphäre, Spannung, Schauplätze usw.

Und wie auch Politikerinnen können sich Romanautorinnen schnell in den vielen, kleinen – und wichtigen – Details verlieren und das Große Ganze aus den Augen verlieren.

Auf das Romanschreiben bezogen bedeutet das: Was Menschen wirklich interessiert, sind andere Menschen. Deswegen sind die Figuren das, was alle an einem Roman am meisten mögen.

Das wird bei einigen Romanen schon alleine dadurch deutlich, dass die Helden der Geschichte auch im Titel stehen, von »Tom Sawyer« bis »Harry Potter«.

Terry Pratchett meinte einmal, dass er häufig gefragt wurde, doch mal wieder einen Roman mit Rincewind oder Granny Wetterwachs zu schreiben. Man merke: Er hatte nicht darüber berichtet, dass er häufig gefragt wurde, doch mal einen Roman über die moderne Kommunikationstechnik zu schreiben, sondern darüber, dass seine Leserinnen mehr über die Figuren erfahren wollten, die ihnen ans Herz gewachsen waren.

Das Thema eines Romans ist nicht unwichtig. Spannung, Sprache, Plot – das sind alles keine bedeutungslosen Details. Aber im eigentlichen Fokus der Aufmerksamkeit müssen die Figuren stehen.

Mit ihnen solltest du dir am meisten Mühe geben. Erschaffe Figuren, die mitreißend und rund sind, zu denen Leserinnen eine Beziehung aufbauen – mit anderen Worten: die sie in ihr Herz schließen können.

Es gibt sehr viele verschiedene Wege, Figuren für einen Roman zu gestalten. Ganz gleich, wie du zu deinen Figuren kommst – am Ende müssen sie vor allem auf die Bedürfnisse deines Zielpublikums zugeschnitten sein.

Dan Brown (»Sakrileg«, »Inferno«) beispielsweise charakterisiert seinen Serienhelden Robert Langdon bewusst sparsam. Seine Romane sind im Prinzip Rätsel, die die Leserinnen und Leser dazu einladen sollen, mitzuraten. Würde Langdon zu markant sein, dann würde er nicht mehr als Identifikationsfigur, quasi wie eine Art Avatar im Computerspiel, funktionieren. Trotzdem besitzt er ein paar Eigenschaften, die so grundlegend und einladend sind, dass ein Großteil der Menschen sich mit ihm identifizieren kann: Er ist kompetent, verletzlich, gibt nie auf, hat Humor und ist attraktiv für das andere Geschlecht.

Chris Carter hat mit Robert Hunter eine Art James Bond erfunden. Hunter ist körperlich topfit und besitzt gleichzeitig Doktortitel. Er hat Erfolg bei den Frauen und ist einer der besten Polizisten, die es je gab. Mit anderen Worten: Er ist ein Universalgenie im Körper eines Olympiasiegers. Hunter lädt also nicht nur zur Wunscherfüllung ein, sondern erhöht dazu noch den Thrill für die Leserinnen und Leser. Wenn schon so ein Supermann den blutrünstigen Serienkillern kaum Einhalt gebieten kann – wie soll es dann erst uns Normalos ergehen?

Harry Potter ist (in den ersten Romanen der Serie) ein mitleiderregender Junge. Er fühlt sich genauso machtlos der Welt der Erwachsenen ausgeliefert, wie es nun einmal Kinder und Jugendliche tun. Das ermöglicht es dem Zielpublikum, eine Verbindung zu ihm aufzubauen. Gleichzeitig ist Harry aber auch der größte Magier aller Zeiten. Das ist natürlich Wunscherfüllung. Harry vermittelt den Leserinnen den Glauben daran, dass auch sie wichtig sein können und in ihnen ebenfalls große Talente schlummern.

Keine Figur lebt für sich allein. Wenn die Figuren im Fokus stehen, dann stehen auch ihre Beziehungen im Fokus. Freundschaft, Liebe und Partnerschaft sind zentrale Themen, über die die Menschen einfach gerne lesen.

Robert Langdon hat in jedem Roman eine Love Interest, also eine weibliche Beziehungsfigur. Auch wenn es in Browns Romanen eher weniger zu Romanzen kommt, so gibt es doch unterschwellig immer die Frage, ob Langdon mit seinem weiblichen Sidekick mehr als nur ein Rätsel verbindet oder nicht.

Robert Hunter hat seinen treuen Partner Carlos Garcia, mit dem ihm eine tiefe Freundschaft verbindet.

Harry Potter hat mit Hermine Granger und Ron Weasley treue Freunde, mit denen er durch dick und dünn gehen kann, selbst wenn es auch immer wieder mal Streit gibt.

Gemeinsam haben alle Figuren, dass wir sie in unser Herz schließen, mit ihnen mitfiebern und uns noch Jahre später an sie erinnern, wenn wir viele Details der Handlung eines Romans bereits vergessen haben.

Solche Figuren brauchst du für deinen Roman. Also solltest du dir mit ihnen wirklich viel Mühe geben.

Die beste Publikationsform für deinen Roman? Kleinverlag vs. Selfpublishing vs. Digital-Imprint

Die beste Publikationsform für deinen Roman? Kleinverlag vs. Selfpublishing vs. Digitale-Imprint

Dein Roman ist endlich fertig. Die jahrelange, harte Arbeit soll sich nun auch endlich auszahlen. Du möchtest deinen Roman veröffentlichen. Er soll gelesen werden und was damit verdienen wäre natürlich auch nicht schlecht. Natürlich setzt du dir große Ziele und reichst deswegen dein Manuskript bei Publikumsverlagen oder den bekanntesten Literaturagenturen ein – und kassierst nur Absagen.

Keine Angst. Das ist normal und hat nicht zwangsweise etwas mit der Qualität deines Manuskripts zu tun (vorausgesetzt, du hast es ausgiebig getestet und überarbeitet).

Aber was nun? Selbst veröffentlichen? Bei Kleinverlagen bewerben oder das Manuskript bei einem der inzwischen zahlreichen digitalen Imprints der großen Verlage einreichen?

Das sind mehr oder weniger die Alternativen, die dir bleiben. Gegenüber den Publikumsverlagen haben alle drei Möglichkeiten erhebliche Nachteile:

  1. Prinzipiell kleinere Reichweite.
  2. Kein oder nur wenig Budget für Werbung.
  3. Geringeres Renommee – und damit verbunden eine kleinere oder gar keine Infrastruktur (Vernetzung mit anderen Medien usw.).

Neben diesen Nachteilen haben aber die drei genannten Publikationsmöglichkeiten auch noch weitere Unterschiede, die du abwägen solltest, bevor du dich für eine Alternative entscheidest.

Selfpublishing

Na, dann mach ich’s halt eben selbst. Ist ja heutzutage nicht so schwer. So denken viele. Prinzipiell stimmt das auch. Ein Buch kann heutzutage praktisch jeder publizieren, der einen Computer hat. Und das beinahe ohne weitere Kosten. Aber der Teufel steckt natürlich im Detail.

  • Die Vorteile: Selfpublisher dürfen am allermeisten von ihren Umsätzen behalten. Im Vergleich zum Veröffentlichen bei Verlagen ist die Gewinnbeteiligung gigantisch. Wenn man denn was verkauft. Hinzu kommt die gestalterische Freiheit. Praktisch alles – vom Coverdesign über das Lektorat bis hin zum Marketing – kann von dir selbst bestimmt werden, genau so, wie du es möchtest. Das bietet keine andere Veröffentlichungsmöglichkeit.
  • Die Nachteile: Du kannst nicht nur alles selbst mitbestimmen. Du musst es auch. Für jeden Buchstaben und jedes Pixel vom Cover bist du selbst verantwortlich. Entweder bist du ein Multitalent – was Lektorat, Cover und Marketing angeht und kannst in all diesen Bereichen aus dem Handgelenk das Gleiche leisten, das auch Menschen können, die eine Ausbildung und jahrelange Erfahrung auf ihren Gebieten haben – oder du musst dir dieses Know How und diese Fähigkeiten einkaufen.
    Lektorat und Korrektorat kosten in der Regel einige hundert, wenn nicht tausend Euro. Coversdesign so um die 300 und beim Marketing ist das Budget nach oben hin offen.
    Je nach dem, was du an Leistungen einkaufst und was du selbst machst, bleibt noch eine Menge Arbeit übrig, die du erledigen musst. Viele Arbeitsstunden, die du lieber ins Schreiben neuer Romane stecken könntest, musst du mit der Arbeit rund ums Veröffentlichen verbringen. Ob du das leisten kannst oder willst, musst du dir gut überlegen.
    Das sind dicke Hunde, die du schlucken musst – und/oder Summen, die du erst einmal mit deinem Roman verdienen musst.

Digitales Imprint

Praktisch alle großen Publikumsverlage haben mitbekommen, dass Selfpublihsing im E-Book-Format etwas ist, das Autorinnen und Leserinnen prinzipiell mögen. Also bieten sie inzwischen Labels an, unter denen sie auf diesem Feld mitmischen.

  • Die Vorteile: In der Regel arbeitet man hier mit Profis der Branche zusammen. Lektorat, Korrektorat und Coverdesign erfolgen häufig auf dem Niveau der großen Publikumsverlage. Zwischen Manuskripteinreichung und Veröffentlichung vergehen meist nur wenige Wochen – was im Vergleich zum Publikumsverlag, bei dem dieser Prozess viele Monate, wenn nicht Jahre dauern kann, geradezu lächerlich schnell ist.
  • Die Nachteile: Wenig Werbung im Vergleich zum Publikumsverlag und viel weniger Mitspracherecht im Vergleich zum Selfpublishing. Die Umsatzbeteiligung ist höher als beim Publikumsverlag, aber wesentlich geringer als beim Selfpublishing.

Kleinverlag

Es ist wesentlich wahrscheinlicher, bei einem Kleinverlag unterzukommen, als bei einem großen Publikumsverlag. Kleinverlage sind – wie der Name schon sagt – sehr kleine Betriebe. Nicht selten bestehen sie nur aus einer festen Mitarbeiterin, der Verlagsleiterin, die dann alle anderen Leistungen bei Drittanbietern einkauft.

Manchmal suchen Kleinverlage sogar aktiv Autoren. Das macht es verführerisch, sich dort zu bewerben.

  • Die Vorteile: Bei Kleinverlagen gibt es häufig einen engen persönlichen Kontakt mit den Mitarbeiterinn. Es geht halt familiär zu. Sonst funktioniert so ein Kleinverlag – wenn er professionell betrieben wird – wie ein großer Verlag.
  • Der Nachteile: Eigentlich bietet ein Kleinverlag gegenüber dem Selfpublishing oder dem Veröffentlichen bei einem digitalen Imprint keinen Vorteil. Vielleicht sind die finanziellen Konditionen etwas besser als beim Publikumsverlag – mit großer Wahrscheinlichkeit aber schlechter als beim Selfpublishing.

Es hängt beim Kleinverlag ganz massiv vom konkreten Unternehmen ab, ob er einem zusagt oder nicht. Während du dir beim einem Publikumsverlag relativ sicher sein kannst, das hier auf hohem Niveau gearbeitet wird (was allerdings auch keinen Persilschein bedeutet), musst du das beim Kleinverlag zuvor gründlich prüfen.

Fazit: Überraschung! Die eierlegende Wollmilchsau gibt es beim Veröffentlichen jenseits großer Publikumsverlage nicht. Stattdessen musst du in mindestens einen sauren Apfel beißen.

Aber: Selbst wenn du das Glück hast, bei einem Publikumsverlag genommen zu werden, heißt das noch lange nicht, dass du auch alle seine Vorteile genießen kannst. Unter Umständen wirst du am Ende ähnlich wie beim digitalen Imprint oder beim Kleinverlag behandelt, weil die erwarteten Umsätze, die der Verlag sich erhofft hat, ausbleiben.

Ganz gleich also, für welche Publikationsmöglichkeit du dich entscheidest oder ob du sogar bei einem großen Verlag gelandet bist – am Ende bleibt es noch immer zu einem großen Teil ein Glücksspiel, wie gut sich dein Roman verkauft.

Die Top 10 Folgen der SchreibDilettanten

Wöchentlich veröffentlichen Axel Hollmann und ich eine neue Folge unseres Vlogs für Autorinnen Die SchreibDilettanten auf YouTube.

Neulich erreichte mich die Frage, welche 10 der inzwischen über 150 Videos ich denn für den Einstieg empfehlen würde. Natürlich beantworte ich die Frage sehr gerne:

 

Die wichtigste Schreibregel: Konflikt! Konflikt! Konflikt!

Eine ganz grundlegende Folge, in der wir uns mit James N. Freys oberster Schreibregel auseinandersetzen. Viel zu häufig vergessen wir sie selbst, deswegen tut es gut, an sie zu erinnern.

 

Von der Grundidee zum fertigen Buch

Wie funktioniert das eigentlich mit dem eigenen Buch – vom Tippen des ersten Buchstabens bis hin zum Erscheinen im Buchhandel. Hier teilen wir unsere Erfahrungen.

 

10 Dinge, die einen Autor als Anfänger entlarven

Kinderkrankheiten, die alle durchmachen, die man aber ablegen sollte, bevor man sich bewirbt oder veröffentlicht.

 

Brainstorming Krimi

Stellvertretend für alle unsere Folgen, in denen wir Romane plotten. Hier kann man am praktischen Beispiel erleben, wie wir unsere Ideen entwickeln.

 

Die Maximalkapazität des Helden

Neben Konflikt! Konflikt! Konflikt! eine der wichtigsten Grundlagenfolgen unseres Vlogs. Häufig lassen wir die Hauptifugren nicht auf ihrer Maximalkapazität handeln – was nicht gut ist. Hier überlegen wir, was wir dagegen tun können.

 

Das 7-Punkte-System in der Praxis

Axel und ich sind große Fans des 7-Punkte-Systems als Hilfsmittel, um Plots zu entwickeln. Hier zeigen wir an einem praktischen Beispiel, wie wir damit arbeiten.

 

Noch einmal – Überarbeitung

Einst gab es die SchreibDilettanten nur als Podcast. Deswegen legen wir von Zeit zu Zeit alte „Audio-Only-Folgen“ als Video neu auf. Überarbeitung ist eines der wichtigsten Themen, mit dem wir immer wieder zu kämpfen haben.

 

Der ideale Leser

Für wen schreiben wir eigentlich und was bedeutet das für unsere Texte? Der ideale Leser ist ein wichtiges Hilfsmittel für die Überarbeitung unserer Romane.

 

Perspektive Reloaded

Eine weitere Neuauflage eines Klassikers. Welche Perspektiven gibt es? Für welche entscheiden wir uns aus welchen Gründen?

 

Warum ist mir in der Mitte immer so langweilig?

Eine meiner Lieblingsfolgen: Die Mitte des Romans kann man schnell unterschätzen, dabei spielen sich dort wichtige Dinge ab. Hier diskutieren Axel und ich darüber, was einen Roman in der Mitte so richtig spanend macht.

Mein idealer Schreibplatz

Mein idealer Schreibplatz

In einem Interview mit dem Blog Mordsbuch wurde ich neulich gefragt, wo ich denn am liebsten schreibe. Ich habe eine ganze Weile über diese Frage nachgedacht und mich dann dafür entschieden, kurz zu antworten, wo ich tatsächlich die meiste Zeit schreibe: In meinem Wohnzimmersessel. Doch eigentlich ist das nich die richtige Antwort.

Ich schreibe im Wohnzimmersessel, weil es der Ort im Haus ist, an dem ich in Anbetracht der Umstände am besten schreiben kann. Ein Idealer Ort der gar mein Lieblingsschreibort ist er nicht.

Meinen Lieblingsschreibort hatte ich vor Jahren in einer anderen Wohnung. Es war ein relativ großer Schreibtisch, der vor einem großen Fenster stand. Ich konnte rausgucken, sah dann ein paar Pflanzen auf dem Balkon, die Baumwipfel des gegenüberliegenden Parks und vor allem den leeren Himmel.

Der Schreibtisch stand in meinem Arbeitszimmer. In ihm befand sich nichts weiter als Bücher in Regalen und eben der besagte Schreibtisch mit einem Computer darauf und ein Schreibtischstuhl.

Wenn ich so recht überlege, dann war ich an diesem Ort am produktivsten. Das lag auch daran, dass ich damals auch andere Lebensumstände hatte, die mir mehr Zeit zum Schreiben ließen. Aber der Schreibort hat auch etwas dazu beigetragen.

Der richtige Schreibort ist die beste Weg, um Aufschieberitis zu bekämpfen und Schreibblockaden zu überwinden.

Warum war dieser Schreibort damals für diese Zwecke idealer als der Wohnzimmersessel heute?

Das Wohnzimmer ist ein zentraler Ort des Alltags. Hier entspannen wir alle gemeinsam, spielen, empfangen Besuch usw. Natürlich steht hier kein Schreibtisch. Ich schreibe mit dem Laptop auf den Knien. Meistens ist das Wohnzimmer nicht so richtig aufgeräumt. Spielzeug liegt herum oder die Spuren des Besuchs vom letzten Abend sind noch überall zu sehen.

Das ist eigentlich kein Ort fürs kreative Arbeiten. Kreatives Arbeiten erfordert es, in den Fluss zu kommen, neudeutsch auch »Flow« genannt.

Wie man sich das genau vorstellen kann, beschreibt Cal Newport in seinem Buch »Konzentriert arbeiten«, das im Original treffender »Deep Work« heißt, sehr anschaulich am Beispiel C.G. Jungs.

Der berühmte und auch durchaus exzentrische Psychologe, aber sehr produktive Jung hatte sich für sein Arbeit sozusagen eine Festung der Einsamkeit bauen lassen: einen Turm mitten in der Natur ohne Strom. Dorthin zog er sich zurück, um an seinen Schriften zu arbeiten.

Das ist natürlich etwas extrem, aber im Prinzip sieht so der ideale Schreibplatz aus: fernab vom Alltag, ohne Ablenkungen.

Nun sind wir alle nicht dazu in der Lage, uns einen Turm in der Natur bauen zu lassen. Ich schaffe es nicht einmal, einen Schreibtisch vor ein Fenster zu stellen. Aber trotzdem kann man mit den Mitteln, die einem verbleiben, Einiges tun, um in den Flow zu kommen.

Generell ist es gut, einen Schreibtisch zu haben, auf dem möglichst nichts anderes ist, als das, was man zum Schreiben benötigt. Und auch hier ist es eine gute Idee, alles Überflüssige wegzulassen. Das ist der Grund dafür, dass ich nicht mit vielen Notizblöcken, Pinnwänden und Zetteln, physischen Karteikarten usw. arbeite.

Ich verwende auch aus diesem Grund nur meinem Laptop und Scrivener. Für mich ist das die Konzentration auf das Wesentliche.

Ich habe über die Jahre gelernt, in den Flow zu kommen, auch unterwegs und an nicht so idealen Orten. Es gelingt mir nicht immer, aber doch meistens. Eine gute Unterstützung sind für mich Apps wie Noizio, die akustisch dafür sorgen, dass ich meine Umwelt aussperren kann. Visuell habe ich ja ohnehin das Computerdisplay vor mir, das mein Sichtfeld ausfüllt.

Eben deswegen ist es für mich auch so wichtig, keine physischen Notizzettel oder Ähnliches zu verwenden. Müsste ich diese suchen, in ihnen blättern usw. wäre ich aus dem Flow wieder raus. Alles, was ich für das Schreiben benötige, muss auf meinem Display stattfinden, sonst erkenne ich die Störungen in der Umwelt. Ich verlasse dann sozusagen meinen Turm.

Wie du deine unverwechselbare Autorinnenstimme findest

Wie du deine unverwechselbare Autorinnenstimme findest

Die eigene unverwechselbare Stimme zu finden ist eine schwierige Übung – gerade für beginnende Autorinnen. Die unverwechselbare Stimme ist ein Alleinstellungsmerkmal, das durchaus darüber entscheiden kann, ob dein Buch Leserinnen findet oder nicht.

Was ist deine unverwechselbare Autorinnenstimme?

Die unverwechselbare Autorinnenstimme ist nicht mit dem Stil zu verwechseln. Dein Stil ist die Art und Weise, wie du schreibst. Ausschweifend oder knapp, satirisch oder ernsthaft, romantisch oder nüchtern. Stil und Autorinnenstimme haben viel miteinander zu tun, sind aber nicht genau das Gleiche.

Ebenfalls solltest du nicht deine unverwechselbare Autorenstimme mit der Perspektive verwechseln. Perspektive entsteht, wenn du die Welt deiner Romanhandlung aus dem Blickwinkel einer Romanfigur beschreibst – entweder in der Ich-Perspektive oder in einer personalen Perspektive. Je nach Perspektivfigur kann der Stil einer Geschichte sich verändern – deine unverwechselbare Autorenstimme wird jedoch trotzdem erkennbar bleiben.

Die unverwechselbare Autorenstimme ist eine Kombination aus deinem Stil, der Perspektive und deiner Persönlichkeit.

Deine Autorenstimme entscheidet darüber, was du in deinen Romanen zeigst und was du weglässt. Sie ist etwas sehr Subtiles, schwer Greifbares. Sie ist sozusagen ein Teil deiner Persönlichkeit, der in deinen Roman einfließt, weil nur du ein Thema auf eine ganz bestimmte Weise mit einer ganz bestimmten Sprache behandeln kannst.

Hier eine Handvoll Tipps, wie du entspannt und gleichzeitig effektiv deine unverwechselbare Autorinnenstimme finden kannst:

1. Denke beim ersten Projekt nicht über deine Stimme nach

Das Schreiben eins Romans ist eine so große und fordernde Aufgabe, die auf so vielen Ebenen Anstrengungen erfordert, dass deine Autorinnenstimme etwas ist, dass du am Anfang vernachlässigen kannst.

Plot, Figuren, Spannung … Das sind zunächst einmal für einen Unterhaltungsroman wesentlich wichtigere Elemente, an denen Erstautoren arbeiten müssen.

Überhaupt lesbar zu schreiben, ist zunächst eine Herausforderung.

Deine Autorinnenstimme sollte nur bedingt etwas sein, worüber du bewusst nachdenkst. Es wird einfach viel Übung erfordern und einige Romane dauern, bis du sie gefunden hast.

2. Schreibe von deinen Vorbildern ab

In der bildenden Kunst ist es üblich, dass Studenten erst einmal abmalen, bevor man mit eigenen Bildern beginnen.

Bands covern häufig erst ihre Lieblingssong, bevor sie eigene schreiben.

Nur in der Literatur ist es aus unerfindlichen Gründe verpönt, von Vorbildern abzuschreiben, bevor man eigene Romane schreibt. Dabei ist es eigentlich eine gute Idee.

Lies ein Kapitel oder eine Szene eines Romans deiner Lieblingsautorin. Lies den Text intensiv, wenn es sein muss mehrmals.

Schlag danach das Buch zu und versuche den Text so getreu wie möglich aufzuschreiben.

Der Text, den du auf diese Weise produzierst, wird in gewisser Weise deine Version des ursprünglichen Textes  sein, in dem schon eine Menge von deiner eigenen Stimme steckt. Nur fängst du eben auf diese Weise nicht bei null an.

Wiederhole diese Übung viele Male mit unterschiedlichen Texten verschiedener Autorinnen, die dich aber gleichermaßen faszinieren. Auf diese Weise wird deine Autorinnenstimme geschult.

Um es noch einmal zu betonen: Dieser Tipp soll dich dazu anregen zu üben – nicht Romane abzuschreiben, um sie hinterher zu veröffentlichen.

3. Schreibe frei

Wenn du genug abgeschrieben hast, schreibe einfach drauflos. Irgendwas. Denke nicht über Plot oder Figuren nach. Versuche in einen Fluss zu kommen. Auch dieser Text ist nicht dazu da, damit daraus ein veröffentlichungsreifer Roman entsteht.

Stattdessen solltest du ihn dir nach einer gewissen Pause aufmerksam lesen. Was gefällt dir? Was missfällt dir? Versuche Muster zu erkennen und arbeite an ihnen.

Wenn du Tagebuch schreibst, dann nimm dir das vor. Versuche deinen eigenen Text zu analysieren. Welche Passagen gefallen dir, welche vielleicht nicht?

4. Beschäftige dich mit Grammatik

Deine unverwechselbare Autorinnenstimme hat auch damit zu tun, dass du grammatikalische Regeln brichst oder zumindest dehnst. Bevor du gegen Grammatik verstößt, solltest du auch genau wissen, was du da eigentlich treibst.

Wenn du dich mit Grammatik auskennst, kannst du auch manche Phänomene, die dir gefallen, genauer benennen, analysieren und auch verfeinern.

5. Beschäftige dich mit Moral

Da deine Autorinnenstimme sozusagen deine Persönlichkeit ist, die in deine Texte einfließt, kann es helfen, deine eigene Weltsicht genauer zu reflektieren:

Was ist für dich das Wichtigste im Leben? Was sind die Dinge, die dich aufregen und bewegen? Was erwartest du von einer guten Geschichte? Soll sie das Leben abbilden, wie es ist oder wie es sein sollte?

Was machst du auf der Buchmesse als Autorin, wenn du noch nichts veröffentlicht hast?

Was machst du auf der Buchmesse als Autorin, wenn du noch nichts veröffentlicht hast?Die Leipziger Buchmesse steht vor der Tür. Falls du noch nichts veröffentlich hast und/oder noch keinen Verlag und somit keinen Stand als Anlaufpunkt hast, glaubst du vielleicht, dass du dort nichts verloren hast. Weit gefehlt.

Wie kommst du als unveröffentlichte Autorin auf die Buchmesse?

Zunächst einmal kannst du dir wie jede andere Besucherin auch einfach ein Ticket kaufen. Falls du jedoch bereits einen Blog oder YouTube-Channcel haben solltest, der sich maßgeblich mit Büchern beschäftigt und/oder bereits für ein Magazin geschrieben hast (auch online), kannst du dich akkreditieren lassen.

Das geht auch noch am Messetag selbst. Dann solltest du mit deinen Veröffentlichungen zur Pressestelle gehen, sie dort zeigen und höflich fragen, ob ein Akkreditieren noch möglich ist. Es hat einige Vorteile, als Journalist auf der Messe zu sein. Neben einem coolen Presseausweis, auf dem dein Name steht, und kostenloser Garderobe, bei der du nicht ewig anstehen musst, hast du Zutritt zum Pressebereich, wo es entspannter und ruhiger zugeht, als auf der restlichen Messe.

Natürlich solltest du, wenn du als Journalistin akkreditiert bist, auch Beiträge über die Messe auf deinem Blog etc. veröffentlichen und nicht nur die Vorteile abgreifen.

Die naheliegendste Möglichkeit besteht darin, dich als »Fachbesucher: Autor« auf die Messe zu begeben. Das hat einige Vorteile, die hier alle aufzuzählen, den Rahmen sprengen würde. Auch die Anmeldung zum »Fachbesucher:Autor« ist nicht ganz trivial und kann hier nichts schnell in ein paar Worten erklärt werden. Hier findest du eine Übersicht.

Und was genau machst du als unveröffentlichte Autorin auf einer Buchmesse?

Zunächst einmal, was du nicht machen solltest: Du solltest nicht mit deinem Manuskript von Verlagsstand zu Verlagsstand ziehen und es dort den Mitarbeiterinnen anbieten. Und du solltest auch nicht zu den Literaturagentinnen gehen, um ihnen dein Manuskript schmackhaft zu machen.

Verlagsmitarbeiterinnen und Literaturagentinnen sind nicht auf einer Messe, um neue Autorinnen zu entdecken und Manuskripte zu lesen. Wäre das so, könnten sie sich vor dem Ansturm wahrscheinlich gar nicht retten.

Was aber machst du dort also dann?

Das ist gar nicht so leicht zu beantworten. Es hilft, sich die Messe wie eine einzige große (wirklich, wirklich große) Party vorzustellen. Auch auf einer Party möchtest du ja nicht, dass jemand mit dir die ganze Zeit über sich selbst redet und versucht, sich selbst so gut wie möglich zu präsentieren. Und du willst auch nicht mit Werbegeschenken überhäuft werden.

Auf einer Party möchtest du dich amüsieren, anregende (aber auch nicht allzu tiefgründige) Gespräche führen und neue Leute kennenlernen.

Im Endeffekt geht es darum auch auf einer Buchmesse. Sei offen für Menschen, die auf dich zukommen oder gehe offen auf andere zu, plaudere mit ihnen und – meiner Ansicht nach das Wichtigste – versuche von anderen Besucherinnen oder Ausstellerinnen zu lernen: Was machen die gerade? Was machen sie prinzipiell? Warum tun sie, was sie tun? Inwiefern sind sie weiter als du in ihrer Autorinnenkarriere? Was unterscheidet sie von dir?

Und so weiter. Generell würde ich sagen, dass es besser ist, zu versuchen, so viel wie möglich zuzuhören und aufzunehmen, als zu versuchen, sich selbst zu präsentieren.

Wie kannst du als introvertierte Autorin die Messe nutzen?

Autorinnen sind ja häufig nicht unbedingt Rampensäue (obwohl es durchaus Ausnahmen gibt).

Selbst wenn du meinst, zu introvertiert zu sein, um auf andere zugehen und Gespräche zu führen, dann kannst du immer noch durch die Reihen der Stände schlendern und einfach nur lauschen, was hier und dort so geschieht. Kling nicht spektakulär? Du wirst lernen. Und zwar viel.

Vor allem bekommst du mit, wie der Buchmarkt funktioniert, wie die Buchwelt tickt und wie Verlagsmitarbeiterinnen so sind.

Das alles sind vielleicht keine Dinge, die dazu führen, dass du am Montag nach der Messe veröffentlichte Bestsellerautorin bist. Aber – regelmäßige – Messebesuche sind ein Baustein von vielen in deiner Autorinnenkarriere.

Am Ende wirst du mindestens einen Effekt verspüren, der nicht unterschätzt werden sollte: Du wirst dich mehr noch als Autorin fühlen als zuvor.